Весной в Омске прошел IV Всероссийский фестиваль моноспектаклей «ЧАТ». В этом году на него было подано рекордное количество заявок – около 120, афишу составили 15 спектаклей. Скромно начинавшийся как городской, фестиваль уже не первый год имеет шанс стать международным (заявки активно поступают из-за рубежа), но в прошлый раз препятствием оказался коронавирус, а сейчас – политическая ситуация. И все же афиша четвертого «ЧАТа» получилась как никогда разнообразной и во многом неожиданной.

ЭКСПЕРИМЕНТ КАК ТЕНДЕНЦИЯ
Фестиваль открылся спектаклем «Новеченто» по мотивам пьесы А. Барикко Московского независимого театра «Выпускники-Щукинцы». Актер Владимир Жуков легко и изящно рассказал о потрясающей встрече своего героя, музыканта корабельного джаз-оркестра, с гениальным пианистом-самоучкой, никогда не сходившим на берег, о его необычайной судьбе. И это был, пожалуй, один из немногих «традиционных» моноспектаклей. К ним можно также отнести спектакли «Рыжая» по повести Ф. Абрамова «Алька» Санкт-Петербургского театра «Синий сарафан», «Жанна. Во Францию и обратно» по пьесе А. Геласимова петербургского «Текст-Театра», «Последняя лента Крэппа» по монодраме С. Беккета Брянского театра драмы имени А. К. Толстого, еще пару названий. Другие постановки удивляли либо необычностью выбранной литературы, либо самой подачей материала. Можно сказать, что четвертый «ЧАТ» продемонстрировал целый набор новых форм привычного театрального жанра.

– У нас не было стремления собрать экспериментальные постановки, – говорит художественный руководитель фестиваля Сергей Тимофеев. – Мы просто отбирали все самое талантливое. Но вот, может быть, за счет того, что многие коллективы молоды, а у молодых зачастую скептическое отношение к классическому театру – им нужен эксперимент, получилась такая подборка. Здесь много постановок, где необычный подход к театру, к зрелищу, где совмещены модерн и традиция. Мне кажется, они на шаг впереди нашего сознания, они разрушают нашу привычку, и это классно.

ТЕАТР ХУДОЖНИКА
Моноспектакль изначально предполагает длинный текст, произносимый одним актером. На нынешнем «ЧАТе» слово не всегда было главным. Спектакль «Пока я здесь» Камерного театра города Череповца играется на чистой пластике. Герой его – старый клоун. В этой роли, кстати, выступил бывший актер Лицейского театра Игорь Горчаков. То, что происходит на сцене, – его воспоминания о жизни, которые приходят через предметы-символы. В спектакле много визуальных образов, сценических картин, пантомимы. Режиссер и художник-постановщик Анастасия Быкова называет это «драма в стиле «театр художника».

Без слов общается со зрителями и актриса омского «Пятого театра» Ксения Огарь в спектакле «Одиночество». Режиссер-постановщик Денис Шибаев и драматург Катя Свердлова «сочинили» его по мотивам романа Г.-Г. Маркеса «Сто лет одиночества». Текст звучит, но – фрагментарно и лишь в наушниках, вместе с расслабляющей музыкой. Присутствующих погружают в некое медитативное состояние, в ирреальный, фантастический, магический мир. И даже те, кто не читал роман и не очень разбирается в его сюжете, постигают таким образом суть и природу стилистики Маркеса.

Спектакль «ДЫМ.» по графическому роману Ольги Лаврентьевой «Сурвило», показанный молодежным театральным центром «Космос» (Тюмень), даже и не спектакль, а иммерсивная выставка. Чтобы привезти ее, понадобилась грузовая «газель», тогда как многие другие участники фестиваля прибыли налегке.
Биографический роман о судьбе своей бабушки Валентины Викентьевны Сурвило, пережившей ссылку (отца репрессировали), блокаду и всю жизнь ощущавшую тревогу за близких, понимающую хрупкость сиюминутного благополучия, петербургский художник Ольга Лаврентьева создала в жанре комикса. Фрагменты из него, сопровождаемые инсталляциями, и составляют необычную экспозицию. Время здесь можно увидеть и потрогать руками. В спектакле нет актеров, зато в его создании принимала участие целая команда художников-мейкеров и технологов. И понятие «моно» тут скорее можно отнести к зрителю, который остается один на один с историей и может сложить в голове свою собственную картину.

ДРУГОЙ ВЗГЛЯД
– Многие спектакли, показанные на фестивале, расширяют границы смыслов, границы восприятия, – отмечает член экспертного совета, театровед, театральный критик, кандидат искусствоведения Ирина Алпатова. – Например, спектакль скопинского театра «Предел» «Мы не умрем сегодня вечером» по «Антигоне». Это уже не буквально спектакль по пьесе Ануя, а какое-то взаимодействие режиссера с драматургом, дискуссия с ним. Владимир Дель заменяет основную мысль произведения другой, которая тоже есть там, но она не главная. А главным для постановщика сегодня оказывается не сам подвиг Антигоны, а то, как он был оценен обывателя ми, теми, кто находился рядом. (Всех персонажей играет актриса Елена Талалаева. – Прим. авт.) И это тоже важно сейчас – посмотреть не на того, кто совершает подвиг, а на людей, которые подвиги НЕ совершают, но как-то пытаются к ним относиться. Или – спектакль «Тело, которое говорит» по драме Джованни Баттисты Омского драматического экспериментального театра. Во-первых, это новая пьеса, а зрителю всегда интересен новый сюжет. Во-вторых, режиссер Руслан Шапорин и актриса Таисия Галочкина выстраивают очень эмоциональный, безумно энергетический спектакль, демонстрирующий принципиально новое существование, где нет бешеной пластики, чего-то внешнего, но присутствуют бездны жизни и смерти. Они внутри актрисы, которая не плачет, не кричит, не машет руками, но эти бездны, которые присутствуют в ней, накрывают нас с головой.

Продолжая тему расширения смыслов, надо сказать, что совершенно неожиданного «Фауста» увидели зрители в интерпретации Петербургского камерного театра «ТОК» (Театр открытого контакта). Вместо философской притчи Гёте режиссер Владимир Литвинов взял за основу народные предания о докторе Фаусте и его сделке с дьяволом, добавив фрагменты последовавших за этим пьес – Кристофера Марло, Пушкина, того же Гёте, и сделал спектакль-скоморошину в стиле русского площадного театра. Юный, озорной, босоногий скоморох (Николай Балобан), безбожно сквернословя, зазывает публику, обещая показать «не скорлупу яишную, а историю трагишную». И как-то незаметно из потока сомнительных прибауток, языческих плясок, манипуляций с куклами и масками действительно рождается серьезная и в чем-то трагическая история человека, получившего шанс прожить жизнь заново и потратившего ее на пустяки и низменные удовольствия. Актер легко перевоплощается из человека в беса и обратно, превращая само свое тело в площадку для игры: «Сидит в кабинете Фауст. Я кабинет, а Фауст вот он – на руку надет». И где-то он словно выходит из всех образов, задумываясь уже о себе самом: а что, если это мне сегодня умирать, что я сделал в жизни, чего вообще хотел?

Для Николая Балобана это первый опыт моноспектакля, и он признается, что самое сложное оказаться на сцене не только без поддержки партнеров, но и даже без какого-либо технического оснащения, поскольку скомороший театр – это исключительно театр актера. И многое здесь строится на импровизации, на общении с залом, от которого даже зависит, каким будет сегодня финал спектакля.

КЛЮЧ ОТ ВСЕХ СЕРДЕЦ
Хозяева фестиваля (Омский драматический Лицейский театр) после прошлогоднего перерыва на этот раз показали свой спектакль – «Материнское поле», патетическую сонату по повести Чингиза Айтматова. Молодая актриса Фариза Баткина сыграла его с удивительной силой и мощью, рассказав историю женщины, одной из миллионов, которой судьба подарила любовь и счастье, а война всё потом забрала.
– Спектакль имеет свою историю, – рассказал режиссер-постановщик Сергей Тимофеев. – Фариза делала отрывок из этого произведения еще на занятиях по сценической речи и художественному чтению. И вот сказала: хочу сыграть Толгонай, можно сказать, заболела этой ролью. И я поставил для нее спектакль, потому что всегда рад, когда молодые приходят с какими-то идеями и в результате получается работа, которая позволяет им набирать мастерство. Это очень важно, это потрясающая школа.

Тема материнской трагедии, столь искренне и проникновенно прочувствованная совсем еще юной актрисой, нашла отклик во многих сердцах. Спектакль получил Приз зрительских симпатий (на фестивале впервые работало жюри, сформированное из самых активных зрителей), а также приглашение сыграть его в Центральном Доме актера в Москве.

В дизайне афиш и буклетов четвертого «ЧАТа» недаром присутствовало изображение ключей. Все представленные постановки, так или иначе, искали и находили ключ от зрительских сердец. Как опять же отметила Ирина Алпатова, нынешний фестиваль оказался хорош тем, что на нем были спектакли, дающие возможность получить зрительское удовольствие и той категории публики, которая предпочитает простые жизненные истории, и той, которая готова воспринимать новый театральный язык, какие-то экспериментальные вещи. В принципе, моноспектакль год за годом доказывает, что он растет и меняется как жанр и из литературно-музыкальных композиций переходит в полноценную драматическую (и не только) постановку с участием одного человека. И это действительно Честное Актерское Творчество. Потому что по-другому невозможно наедине со всеми.

Фестиваль моноспектаклей «ЧАТ» не конкурсный. Но каждый раз его участникам вручаются специальные дипломы от экспертного совета, членами которого в этом году стали театральные критики Ирина Алпатова (Москва), Татьяна Тихоновец (Пермь), Сергей Денисенко (Омск). Дипломы IV Всероссийского фестиваля моноспектаклей «ЧАТ» получили:

Ксения Огарь (Омский государственный драматический «Пятый театр») – «За актерское умение быть проводником между реальностью и ирреальностью» (моноспектакль «Одиночество»);
Константин Грицан (Театр-студия «Закулисье», Пушкин) – «За творческий азарт и доверительный диалог со зрителем» (моноспектакль «Спасти камер-юнкера Пушкина»);
Мария Рочева («Текст-Театр», Санкт-Петербург) – «За актерскую исповедальность и глубину проникновения в образ» (моноспектакль «Жанна. Во Францию и обратно»);
Владимир Жуков (Московский независимый театр «Выпускники-Щукинцы») – «За творческую самоотдачу и лирическую проникновенность» (моноспектакль «Новеченто»);
Создатели проекта «ДЫМ.» (Молодежный театральный центр «Космос», Тюмень) – «За поиск новых форм в освещении отечественной истории»;
Таисия Галочкина (Омский драматический экспериментальный театр) – «За амбициозность и расширение творческого диапазона» (моноспектакль «Тело, которое говорит»);
Александра Ислентьева (Московский театр «Эрмитаж») – «За трепетное отношение к классике и высокое актерское мастерство» (спектакль «Последнее письмо»);
Фариза Баткина (Омский драматический Лицейский театр) – «За глубокий психологизм и актерскую заразительность» (моноспектакль «Материнское поле»);
Игорь Горчаков и Анастасия Быкова (Камерный театр, Череповец) – «За творческий союз художника и актера» (моноспектакль «Пока я здесь»);
Михаил Кривоносов (Брянский театр драмы им. А. К. Толстого) – «За высокое актерское мастерство» (моноспектакль «Последняя лента Крэппа»);
Мария Марковских (Театр «Синий сарафан», Санкт-Петербург) – «За воплощение отечественной прозы ХХ века» (моноспектакль «Рыжая»);
Татьяна Швендых (Нижнетагильский театр кукол) – «За творческую самоотдачу и актерский кураж» (моноспектакль «Аленький цветочек»);
Евгения Крюкова («Театр историй», Москва) – «За актуальность и остроту сценического текста» (моноспектакль «Не верьте господину Кафке»);
Николай Балобан (Петербургский камерный театр «ТОК») – «За творческую неукротимость и актерскую многоплановость» (моноспектакль «Фауст»);
Елена Талалаева (Молодежный театр «Предел», Скопин) – «За актерскую многоликость и выразительность пластики» (моноспектакль «Мы не умрем сегодня вечером»);
Денис Шибаев (режиссер спектакля «Одиночество») – «За выразительность режиссерской метафоры»;
Руслан Шапорин (режиссер спектакля «Тело, которое говорит») – «За бесстрашие режиссерского поиска»;
Владимир Литвинов (режиссер спектакля «Фауст») – «За дерзость творческого замысла».

Эльвира Кадырова

«Омская муза», №54 / 29 июля 2022